Apreciación y análisis del valor artístico de la película Blow Up

Sinopsis de la película Blow UP [1]

Narra la historia de un fotógrafo que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible que resulta ser un cadáver. Adaptación del cuento "Las babas del diablo" del escritor argentino, Julio Cortázar.

Imagen de película Bow Up

Componente Cinematográfico- Fotografía

En la película Blow Up, el componente de la cámara y la fotografía es muy relevante y notorio, por lo cual se pueden destacar los siguientes aspectos.

Iluminación y escenografía:

La iluminación de este film, básicamente está supeditada a la luz natural de la ciudad de Londres, Inglaterra. La escenografía en general es muy urbana y en los espacios cerrados hay muy buen uso de las luces artificiales, la dinámica entre personajes y espacio en el interior es bien manejada y los rostros y elementos son bien iluminados. En el exterior, el tono es grisáceo, casi transmitiendo la sensación de frío. En el estudio fotográfico donde trabaja y vive Thomas, el protagonista, necesariamente hay luces artificiales, lo cual ayuda a la ambientación del lugar, y en medio de las sesiones fotográficas con las modelos, se hace uso de estas luces para enfatizar las expresiones incomodas en sus rostros y resaltar al tiempo su belleza y quietud.  Las paredes del sitio son blancas lo que proyecta una sensación de aparente tranquilidad y las sombras reflejadas por objetos y personajes son bien controladas, al no ser distracciones para el espectador.

También cuando Thomas va a la casa de al lado, gracias a la iluminación directa, se le visualizan ojeras y sudor en su rostro, siendo percibido talvez como cansancio. Y por otra parte en la escena que el protagonista le toma las fotos a Jane, la locación es un claro suburbio, pero en  una especie de parque-bosque, un lugar muy verde, natural, calmado y fresco.

Planos:

El film es muy variado en cuestión de planos, y tal como lo hace la iluminación, los primeros planos de los rostros de Thomas y de sus modelos expresan y definen un sentimiento de frustración. Al empezar la película hay un plano general largo  en el que se observan las calles de Londres y la gente saliendo de lo que parece ser una fábrica, también se usa este plano en el parque donde el protagonista toma las fotografías, es un espacio abierto donde aparentemente priman los árboles y las zona verdes, y los individuos presentes en la escena son casi irreconocibles en algunas tomas. De esta misma forma, en las escenas regulares en el interior de la casa- estudio, por ejemplo al entrar las dos chicas que quieren ser modelos, se alternan primeros planos, medios, enteros y generales, haciendo los diálogos fluidos y dándole ritmo a la escena y prioridad, ya sea al espacio como tal y los elementos que lo componen, a los sujetos participes, o a sus facciones y reacciones.  Siguiendo esta lógica,  por medio de un plano general se muestra la escena del reclamo de Jane a Thomas por las fotos, en un juego entre sus movimientos, y las columnas que se interponen entre ambos. Continuamente es realizado un plano detalle o primerísimo primer plano de una de las fotografías ampliadas que observa Thomas, en la cual descubre un cuerpo a simple vista sin vida, y se utiliza un plano general del protagonista, al regresar de ver dicho cuerpo, y sus movimientos corporales connotan angustia y desesperación.  Finalmente se expone un plano general cuando Thomas entra a la presentación musical de una banda, y en la casa donde está buscando a su amigo Ron, aquí se exhiben muchas personas en un mismo espacio, lo que permite contemplar sus vestimentas y acciones, fumar marihuana, por ejemplo, incluso pelear por un pedazo de guitarra, todo esto sin quitarle importancia al lugar donde se encuentran. 

Ángulos:

Por otro lado, el uso de ángulos es dinámico,  hay una recurrente utilización de algunos 3/4 en las conversaciones, pero van cambiando en el desarrollo de la secuencia, se observa claramente un ángulo contrapicado ¾, en las escaleras cuando  Thomas persigue a Jane en su casa, y en varias tomas en el auto, mientras él maneja. En la habitación de revelado los ángulos laterales son empleados , se dispone de un ángulo en picada cuando Thomas echa enojado a los dos chicas aspirantes a ser modelo mientras estas bajan las escaleras, y posteriormente un nadir muy definido de él solo, paralelamente con un cenital mostrando inferiores a las chicas en su actitud sumisa.

Movimientos de Cámara:

Al inicio del filme es ejecutado un paneo horizontal, describiéndonos las calles y la salida de los trabajadores de una fábrica, pero este movimiento lo vemos esporádicamente también a lo largo del desarrollo de la película en escenas de desplazamiento por la casa o al mostrarnos una serie de objetos presentes en la habitación.  Así mismo en este aspecto es manifiesto una dinámica de convencimiento, entre Jane y Thomas con respecto al rollo fotográfico, ilustrado con movimientos de Zoom In en sus caras y acciones. Pero esto tampoco es solo en esta escena, en el transcurso del largometraje se evidencia mucho los acercamientos y alejamientos de la cámara, buscando enfatizar momentos “dramáticos” sutilmente. Luego es manejada una cámara fija en la charla entre Ron y Thomas en el restaurante, seguidamente, nos ofrecen lo que parece ser una cámara en mano cuando Thomas está  revelando las fotografías, dándonos una vista muy real de sus actos y concluyendo es llevado a cabo un Travelling paralelo al enseñarnos lentamente la serie de fotos finalmente colgada que es analizada por Thomas.

Dirección de arte.

Vestuario: Realista porque está conforme a la realidad histórica, el sastre da cuenta del contexto sin necesidad de inventar más allá de la época que enmarca la película. Los 60's, años descomplicados y repletos del libertinaje de la música groopie, cambio drástico de perspectiva de la belleza en la mujer, los colores fuertes, la estética de la juventud de la época y la delgadez se convierte en un factor importante para poder lucir frente al lente.

Maquillaje: El maquillaje en esta película es vistoso, despilfarro del color, sobre todo en los ojos, que eran tan importantes y expresivos tanto en la mujer de los 60 como para el argumento y el desarrollo de la película. Se le da un carácter más psicológico respecto a la función de la vista, a observar más allá de lo que apenas se percibe por la mirada y es claro, que en la cinta nos muestran como la ampliación al detalle de una fotografía puede llevarnos a ver cosas que creemos irreales.

Decorados: Podemos dar cuenta principalmente del espacio en el que el personaje se desenvuelve más tiempo, que es su estudio de fotografía, en el que se puede detallar el exceso de implementos ubicados de forma deliberada en todas las habitaciones. Estas pueden simbolizar cierto estado de desidia frente a sí mismo ya que por ejemplo en una de las escenas compra una hélice de un aeroplano solo por el hecho de parecerle "hermosa", se puede decir que hay un tipo de acumulamiento para llenar un vacío emocional que asociamos con la soledad.

Se presentan espacios muy adecuados y naturales resaltando las calles, parques, tiendas y cafés británicos de una manera limpia y tranquila mientras es invadida de manera sigilosa por el color de “Swinging London”.

Nuestra conclusión como espectadores es que hay una gran admiración por la excelente interpretación de los personajes frente a una historia tan complicada porque realmente le supieron dar esa “chispa”, supieron ser esos “objetos” coloridos que le daban vida a ese Londres gris y apagado.

Dirección:

 La dirección de Antonioni se ha visto criticada y glorificada a lo largo de los años, pero hay que rescatar que independientemente de ello, se ha caracterizado por la experimentación en sus películas, tomando caminos muy diferentes a lo regular y eso es lo que precisamente le hace interesante y con el estatus necesario para realizar una película como “Blow Up”, como lo ha manifestado Antonioni, no se trata de hacer películas para un buen espectador sino de hacer películas cada vez más bellas.

Consideramos que ha sido una buena dirección, sobretodo porque es el espectador quien va uniendo los hilos para saber qué va a pasar, y esto es un detalle bastante encantador. Los actores parecen suficientemente naturales y conformes con los papeles brindando buenas interpretaciones y moviéndose con total libertad dentro del contexto.

La película tiene un desarrollo lento pero se puede conectar con la cultura gris y pasiva de los británicos de la época que están siendo consumidos poco a poco por una nueva generación que no es tan simple, una generación que va entrando a la nueva onda "Pop". Al igual que si se tiene en cuenta el cuento de Cortázar en el que está basado, simplemente es lento, ambiguo y confuso. Resaltando de manera  muy organizada el carácter psicológico que va adoptando cada personaje y como va influyendo en el espectador.

Análisis realizado por estudiantes de Tecer semestre de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Medellín 
Jocelyn Avendaño Jiménez
Maria Camila Feria Díaz
Simón Rivera Cartagena

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[1]“Cómo apreciar una película” Cesar Augusto Montoya
Imágenes tomadas de Google

MÁS SOBRE ANTONIONI

MICHELANGELO ANTONIONI[1]

1-    Movimiento Cinematográfico al que pertenece Michelangelo Antonioni.

Michelangelo Antonioni (1912-2007) nunca fue encasillado cien por ciento en un movimiento en particular, pero sus raíces e inicios cargan una gran influencia del neorrealismo Italiano plasmado en su arte.  “People of the Po Valley” o “Gente del Po” fue su primera realización audiovisual, se trataba de un documental corto de 11 minutos acerca de la gente que habitaba este valle, pero se centraba en las fatigas cotidianas de los pescadores en el río Po, es decir, la relación entre el individuo y su entorno . Este río se concibe como el personaje principal del documental, de la mano de la historia de una familia intentando conseguir medicinas para su hija enferma, y los demás pescadores preparándose para una tormenta.  Esta primera obra de Antonioni, es clasificada como plenamente neorrealista, y muestra sutilmente lo que será en un futuro el estilo y estética de este director. “Todo lo que hice después, ya sea bueno o malo, se inicia a partir de ahí, de esta película en el río Po” afirmó el mismo Antonioni.
Por otra parte Antonioni trabajó con dos de los guionistas y directores más sobresalientes de esta escuela, Roberto Rossellini, con quien escribió un guión, y Federico Fellini, a quien defendió como un director excepcional. Vittorio de Sica y Luchino Visconti también hacen parte de la denominada irrepetible generación de cineastas italianos, todos formados dentro de las tendencias neorrealistas. De esta forma, en toda la trayectoria de su carrera cinematográfica, el neorrealismo fue modificándose  y adquiriendo una esencia particular en la obra de Michelangelo, hasta llegar a un estilo muy propio de él.

2-   Género al que pertenece Michelangelo Antonioni: Cine de Autor.

 Se define cine de autor, el cual le permite a un director plasmar sus sentimientos e inquietudes  en su película, y por ello genera ciertos rasgos característicos que identifican a dicho director. Aquí, el director expresa una visión particular, no sólo de cómo ve el cine, si no cómo ve el mundo que lo rodea, las personas, experiencias y realidades de su contexto. Puede hacer crítica o enaltecer una ideología, y  pretenden generar una reflexión o toma de conciencia frente a algo.
Es allí, donde Michelangelo Antonioni, pasa de un polo a  otro aparentemente opuesto.  En sus inicios y raíces como se expuso  anteriormente, el neorrealismo es muy palpable y visible, pero se transforma en un cine que no desea mostrar una realidad tal cual y dejarla libre de interpretaciones, sino, desarrollar una postura y proponer una visión exponiendo sus opiniones por medio del séptimo arte.
Un claro ejemplo de esto es la percepción de Antonioni con respecto a los géneros sexuales. En sus filmes, la mujer generalmente es ultrasensible y superconsciente de todos los ámbitos que la rodean, la propone como un ser casi omnisciente que observa todo, por el contrario refleja al hombre como una persona ignorante, despreocupada  e indiferente con la realidad, y la confrontación de estos dos universos es lo que provoca una incapacidad de comunicación por parte de dos visiones y mundos totalmente diferentes.

3 -    Estilo de Michelangelo Antonioni

El estilo de este gran director Italiano, es realmente particular partiendo de que decide no ceñirse exclusivamente al modelo hollywoodense que pretendía, como las fábulas, dejar una moraleja en cada película marcando los valores tradicionales. Antonioni aboga porque la vida no esté sujeta a un cliché moral. Sus películas parten de preguntas acerca de la condición humana dentro de una sociedad a la que pretende, de esta manera pedía a su público que madurara y se enfrentara a incertidumbres y a las imprevisiones propias de la vida adulta.
Para poder defender esta tesis Antonioni desarrolla un estilo visual y auditivo único dejando de lado las reglas del cine e imponiendo su propia forma de realización, sin muletas moralistas y evitando adrede en el montaje la continuidad propia de Hollywood; se anima a utilizar tomas largas, secuencias del tipo plano contraplano de primeros planos de la acción, música escénica que orientara al espectador como debía sentirse, proporciona diálogos mínimos, en algunas ocasiones pretendía contrariar los sentimientos de los personajes o la temática general con el tipo de decoración que componían la escena.
También es muy importante resaltar el tema de la incomunicación del hombre con su contexto social y personal

4 -    Concepción que Michelangelo Antonioni tiene del cine

En el transcurso de su vida, Antonioni hizo críticas a entes reguladores, como la iglesia, el gobierno, los científicos, entre muchos otros, que atacan nuestra idea de la singularidad, que lo que quieren es homogeneizar las masas. No es propio de Antonioni expresarse con palabras, él transforma la naturaleza humana, le da un sentido diferente.Quiere que su público cambie la forma de ver y pensar las cosas y todo esto a través del cine.
Este director es aventurero y arriesgado “creo en la improvisación. No suelo prepararme para un encuentro de negocios, un encuentro amoroso o un encuentro amistoso. Vivo la situación tal como surge y me adapto al curso de las cosas, aprovechando lo inesperado. Este mismo sistema es válido a la hora de rodar una película" (Michelangelo Antonioni, Filmografía completa, Seymour Chatman/Paul Duncan 2004).
Este director fue un revolucionario del cine, y se puede afirmar, casi con certeza, que es así, porque él expresa que no necesita de la música para que una escena quede completa, “Me gusta que la música tenga un origen propio en la película” (1975). En su cine demuestra que en realidad no necesita de este tópico -que creemos que es imprescindible- pues sus protagonistas son codiciosos, aventureros, exploradores y sobre todo, astutos y dice que “un personaje así no tiene ninguna necesidad de un comentario musical”(1975).
Por otro lado, el cine para él, es profundo en contenido, una de las tantas palabras que dejó a los futuros cineastas es que no deberían poner el énfasis en la belleza de la imagen, si no en la belleza de las ideas, del concepto, para así, poder seducir mentes.
En conclusión, el cine para Michelangelo Antonioni, es una búsqueda constante, un estudio persistente, una manera de reinventar la realidad, una formación innovadora y renovadora, sin dejar de ser, para que seamos.

5 - Películas más importantes

“GENTE DEL PO, 1943-197” Un trabajo precursor del neorrealismo italiano.

“CRÓNICA DE UN AMOR, 1950” Primera película de ficción, los críticos la categorizaron como una segunda fase de neorrealismo, que prestaba una mayor atención a la psicología individual que a las condiciones físicas de los personajes.

“EL GRITO, 1957” Inconcreción del significado, es el único trabajo protagonizado por un personaje proletario, muestra que los problemas de la clase obrera no son meramente económicos sino también emocionales.

“BLOW UP, DESEO DE UNA MAÑANA DE VERANO, 1966 Palma de Oro” Y “EL REPORTERO, 1974” No son menos sutiles, sino que siguen una vía más abierta y filosófica a través de una trama de premisas insólitas y quizá algo improbables.Analizan cuestiones como

la naturaleza de la apariencia visual o el extraño deseo humano de escapar de la propia identidad.

“LA AVENTURA, 1960” De las más representativas del movimiento moderno. Aborda las ambivalencias y las confusiones a las que se enfrentan las personas más allá de los problemas derivados de la mera supervivencia. Inició y consolidó un periplo de la incomunicación del hombre en la sociedad

“LA NOCHE, 1961; EL ECLIPSE, 1962 Y EL DESIERTO ROJO, 1964” Trata un mismo tema desde perspectivas complementarias “la indiferencia impide constatar la dicha de ser amado, y la vida confirma que la cercanía no evita el desconocimiento”.

6 - Componente cinematográfico - fotografía

“BLOW UP DESEO DE UNA MAÑANA DE VERANO, 1966”

En la película Blow Up, el componente de la cámara y la fotografía es muy relevante y notorio, por lo cual se pueden destacar los siguientes aspectos.

Iluminación y escenografía:

La película se desarrolla en su mayoría a la luz  natural del día en la Ciudad de Londres, Inglaterra. La escenografía en general es muy urbana y en los espacios cerrados hay muy buen uso de las luces artificiales, la dinámica entre personajes y espacio en el interior es bien manejada y los rostros y elementos son bien iluminados. En el exterior, el tono es grisáceo, casi transmitiendo la sensación de frio. En el estudio fotográfico donde trabaja (y vive) Thomas, el protagonista, necesariamente hay luces artificiales, lo cual ayuda a la ambientación del lugar, y en medio de las sesiones fotográficas con las modelos, se hace uso de estas luces para enfatizar las expresiones incomodas en sus rostros y resaltar al tiempo su belleza y quietud.  Las paredes del sitio son blancas lo que proyecta una sensación de aparente tranquilidad y las sombras reflejadas por objetos y personajes son bien controladas, al no ser distracciones para el espectador.

También cuando Thomas va a la casa de al lado, gracias a la iluminación directa, se le visualizan ojeras y sudor en su rostro, siendo percibido tal vez como cansancio. Y por otra parte en la escena que el protagonista le toma las fotos a Jane, la locación es un claro suburbio, pero en  una especie de parque-bosque, un lugar muy verde, natural, calmado y fresco.

Planos:

El filme es muy variado en cuestión de planos, y tal como lo hace la iluminación, los primeros planos de los rostros de Thomas y de sus modelos expresan y definen un sentimiento de frustración. Al empezar la película se presencia un plano general largo en el que se observan las calles de Londres y la gente saliendo de lo que parece ser una fábrica, también se usa este plano en el parque donde el protagonista toma las fotografías, es un espacio abierto donde aparentemente priman los árboles y la zona verde y los individuos presentes en la escena son casi irreconocibles en algunas tomas. De esta misma forma, en las escenas regulares en el interior de la casa- estudio, por ejemploal entrar las dos chicas que quieren ser modelos, se alternan planos primeros, medios, enteros y generales, haciendo los diálogos fluidos y dándole ritmo a la escena y prioridad, ya sea al espacio como tal y los elementos que lo componen, a los sujetos participes, o a sus facciones y reacciones. Siguiendo esta lógica,  por medio de un plano general se presencia la escena del reclamo de Jane a Thomas por las fotos, en un juego entre sus movimientos, y las columnas que se interponen entre ambos. Continuamente es realizado un plano detalle o primerísimo primer plano de una de las fotografías ampliadas que observa Thomas, en la cual descubre un cuerpo a simple vista sin vida, y se utiliza un plano general del protagonista, al regresar de ver dicho cuerpo con sus propios ojos, y sus movimientos corporales connotan angustia y desesperación.  Finalmente se expone un plano general cuando Thomas entra a la presentación musical de una banda, y en la casa donde está buscando a su amigo Ron, aquí se exhiben muchas personas en un mismo espacio, y son contempladas sus vestimentas  y acciones como fumar marihuana  y, la pelea por el pedazo de guitarra, sin quitarle importancia al lugar donde se encuentran.

Ángulos:

Por otro lado, el uso de ángulos es dinámico,  hay unarecurrente utilización de algunos 3/4 en las conversaciones, pero van cambiando en el desarrollo de la secuencia, se observa claramente un ángulocontrapicado ¾, en las escaleras cuando  Thomas persigue a Jane en su casa, y en varias tomas en el auto, mientras el maneja. En la habitación de revelado los ángulos laterales son empleados , se dispone de un ángulo en picada cuando Thomas echa enojado a los dos chicas aspirantes a ser modelo mientras estas bajan las escaleras, y posteriormente un nadir muy definido de él solo ,paralelamente con un cenital mostrando inferiores a las chicas en su actitud sumisa.

Movimientos de Cámara:

Al inicio del filme es ejecutado un paneo horizontal, describiéndonos las calles y la salida de los trabajadores de una fábrica, pero este movimiento lo vemos esporádicamente también a lo largo del desarrollo de la película en escenas de desplazamiento por la casa o al mostrarnos una serie de objetos presentes en la habitación.  Así mismo en este aspecto es manifiesto una dinámica de convencimiento, entre Jane y Thomas con respecto al rollo fotográfico, ilustrado con movimientos de Zoom In en sus caras y movimientos. Pero esto tampoco es solo en esta escena, en el transcurso del largometraje se evidencia mucho los acercamientos y alejamientos de la cámara, buscando enfatizar momentos “dramáticos” sutilmente. Luego es manejada una cámara fija en la charla entre Ron y Thomas en el restaurante, seguidamente, nos ofrecen lo que parece ser una cámara en mano cuando Thomas está  revelando las fotografías, dándonos una vista muy real de sus actos y concluyendo es llevado a cabo un Travelling paralelo al enseñarnos lentamente la serie de fotos finalmente colgada que es analizada por Thomas.

Análisis realizado por estudiantes de Tecer semestre de Comunicación Audiovisual de la Universidad de Medellín 

Jocelyn Avendaño Jiménez

Maria Camila Feria Díaz

Simón Rivera Cartagena

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[1] Información tomada de los siguientes sitios

http://www.canaltcm.com/2012/09/04/cien-por-cien-antonioni/

http://www.lugaradudas.org/archivo/2007/cine_autor/michelangelo_antonioni.html

https://www.google.com.co/webhp?sourceid=chrome-instant&ion=1&espv=2&es_th=1&ie=UTF-8#q=filmograf%C3%ADa%20mas%20importante%20de%20antonioni

http://www.filmaffinity.com/en/film328799.html

http://www.revistaminerva.com/articulo.php?id=231

http://www.criterion.com/current/posts/2235-repertory-pick-gente-del-po-and-more-antonioni-docs